05 de Marzo a las 18:00 h.

QUERELLE de Rainer W. Fassbinder
RFA. 1982. 120 min. V.O.S.

Título original: Querelle. Director: Rainer W. Fassbinder. Guión: Rainer W. Fassbinder. Fotografía: Xaver Schwarzenberger. Música: Peer Raben. Productores: Dieter Schidor. Formato: DVD, Color. Género: Drama. Reparto: Brad Davis, Franco Nero, Jeanne Moreau, Günther Kaufmann, Laurent Malet, Hanno Pöschl

La película cuenta la historia del marinero Querelle. De su poder de fascinación y de seducción sobre las personas con las que se cruza. Una belleza y una personalidad a las que nadie puede resistirse.

INVITADO:

ANDRÉS CID FERNÁNDEZ
Conferencia: “Each man kills the thing he loves” Oscar Wilde.

Estudia en la ETSA de Sevilla obteniendo el título en 1975 con sobresaliente en el PFC y nº 1 de promoción. Profesor de Proyectos desde Octubre de 1975 hasta hoy, con una interrupción de tres años (1989-1992). Obras en Jaén y más tarde en Sevilla, donde fijará su residencia tras un ir y venir agotador de 5 años. Primeras obras en Jaén de influencia racionalista recogidas en publicaciones de la época y, por desgracia, en la actualidad algunas bastante mutiladas (casa en c/Teodoro Calvache y laboratorio Andalucía Farmacéutica). Posterior etapa sevillana, aunque sin perder todavía los lazos con Jaén, con obras de tendencia postmoderna en viviendas y centros de salud de la provincia que también, por desgracia, influyeron en exceso, por ser los primeros, en algunos compañeros más jóvenes e incautos. Tras el episodio postmoderno, con una obra a destacar de transición junto a J.L. Trillo (80 viviendas sociales en Úbeda), retoma el hilo de un racionalismo más personal y depurado alternando obras de rehabilitación como la casa palacio en c/ Conde de Torrejón (1º accésit de los premios del COA de Andalucía Occidental), la antigua Cilla de El Coronil, casa patio en c/ Crédito (1º premio de rehabilitación del COA de Andalucía Occidental y seleccionada en la Guía de Arquitectura de Andalucía Occidental del Consejo Superior de Arquitectos), con obras de nueva planta como 50 viviendas de VPO en Rinconada junto a O. Gil, Biblioteca Municipal en Arahal, 32 viviendas en El Coronil (todas ellas recogidas en diversas publicaciones y exposiciones). Entre las obras últimas destacan las 19 viviendas de VPO en Santiponce y, sobre todo, la rehabilitación de su propia casa en c/ Duque Cornejo incluida, junto con algunas obras citadas, en el catálogo de la exposición “Sevilla 1995-2005. Arquitectura de una década” (editado por el COAS) y de claro ascendente minimalista.
Cantautor frustrado, aficionado al cine y a la lectura, ocasionalmente practica la escritura crítica (por encargo) sobre temas de arquitectura. En la actualidad, comparte la docencia con el paro. Es amigo de Juan Caso y por supuesto lo sigue siendo de Maripi.

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Reseña de Rafa Morata

Poco después de ganar el Oso de Oro en el Festival de Berlin con La ansiedad de Veronika Voss, Fassbinder rueda Querelle, su obra póstuma y la tercera adaptación literaria que hizo de forma muy libre para la gran pantalla. Querelle de Brest era la cuarta novela de Jean Genet, escrita inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial. En contra de la ética tradicional y con gran fuerza linguística e imaginativa, el autor creó un mundo mágico de maldad que obedecía a sus propias leyes. Homosexualidad, asesinato, traición y nostalgia de la muerte son sus temas principales. Esta obra, definida como “un punto crítico del análisis existencial del hombre moderno”, fue considerada durante mucho tiempo no apta para filmar. El productor Dieter Schidor se la ofreció a directores como Bernardo Bertolucci -que la rechazó por escabrosa-, Sam Peckinpah -que también dio un no por respuesta- y finalmente a Werner Schroeter, el cual había comenzado los preparativos en el año 1981. Sin embargo, debido a los numerosos problemas económicos que estaba planteando y los continuos aplazamientos, la producción fue encomendada a Fassbinder, quien sin dudarlo aceptó rodarla y la llevó a su terreno personal: “En mi opinión, no se trata de asesinato y homosexualidad, sino de una persona que con todos los medios posibles en esta sociedad intenta encontrar su identidad. Tal es, a mi juicio, el tema de la novela. Y a fin de ser fiel a sí mismo, Querelle tiene que ver todo lo que hace desde dos ángulos: desde el que la sociedad califica de criminal -es decir, desde la miseria- no saca nada en limpio, así que tiene que engañar desde el otro. Sólo de este modo puede dar un paso hacia delante”.
El rodaje de Querelle planteó no pocos problemas: en primer lugar, algunos de los actores de talla internacional que figuraban en el reparto se mostraban reacios a rodar algunas de las escenas más comprometidas. Así, Brad Davis, que daba vida al marinero protagonista, hizo saber a Fassbinder en alguna ocasión que no era partidario de la crudeza de algunas secuencias que iba a protagonizar, aunque como dice Harry Baer “en privado no parecía disgustarle el trato con el sexo masculino”. Del mismo modo, Franco Nero se negó en un principio a pronunciar la frase referida a que “sus manos formaban senos en su pecho”, aunque finalmente la dijo sin problemas ante la monumental bronca gratuita que el director echó a un pobre electricista. También hubo dificultades con el guión y su co-autor Burkhard Driest, que daba vida al policía corrupto del Feria. Éste quería introducir numerosos primeros planos de penes erectos a lo largo de la película, pero Fassbinder le dijo que la visión de la homosexualidad que planteaba era demasiada barata para su gusto.
Pese a estos y otros avatares, Fassbinder logró crear una obra radical, innovadora e inclasificable donde se daban cita la grandiosidad de los sentidos, la representación pura, una religiosidad mítica, una sensualidad colorífica que rayó el kitsch, unos gestos, unas miradas que siempre significaban algo más. Por todas estas razones, el Querelle de Fassbinder no admitía ni admite términos medios a la hora de ser valorado: o se le ama o se le odia. Íntegramente rodada en los estudios CCC de Berlin, en Scope y en inglés, el director dio lugar a una fantasía de estilo altamente expresionista sostenida por la teatralidad de las actuaciones de los actores; por un erotismo ante todo conceptual y nada explícito subrayado por la extrema dureza de los diálogos y por símbolos tales como afiladas navajas, pistolas y joyas en forma de anillos; por la inclusión continuada y aleatoria de intertítulos referidos directa o indirectamente a la película, los cuales funden al blanco (igual que en Effi Briest); por una fotografía casi pictórica de tonos ocres, anaranjados, pardos, que baña con su sensación crepuscular a todo el film; por la abigarrada y espléndida partitura de Peer Raben; y por unos decorados de Rolf Zehetbauer que, caracterizados por una exagerada artificialidad, reproducen el encanto pecaminoso de un imaginario e irreal puerto de Brest flanqueado por torres en forma de falos.
La obra póstuma de Fassbinder es ante todo una gozosa expresión de libertad creativa que contiene frases casi premonitorias de la muerte de su autor. Viéndola, se tiene la sensación de que el personaje de Querelle o el omnipresente narrador hablan por boca de Fassbinder. Así, en un determinado momento el narrador dice: “Querelle no se acostumbraba a la idea de ser un monstruo. A pesar de su juventud, conocía el horror de estar solo, atrapado en un mundo de seres vivos”. Aunque Rainer tuvo en los últimos años de su vida a su montadora Juliane Lorenz como pareja y continuó contando con una gran parte de su equipo, le aterraba la idea de verse sin nadie. De hecho, aun hallándose rodeado de tanta gente, tenía la sensación de estar solo, experimentaba la soledad del jefe o del guía que tiene que administrar la vida de muchos pero al que le resulta imposible -dada su responsabilidad- disfrutar de las vivencias, las circunstancias o la simple “normalidad” de aquéllos. Del mismo modo, hacia el final de la película, Querelle dice a Seblon que “tengo una sensación de otoño, de heridas mortales, y he sido vencido, totalmente vencido, y mis pensamientos son tristes”. A esas alturas, Fassbinder llevaba un tiempo padeciendo los efectos de los excesos cometidos durante años y, ante la imposibilidad de desprenderse de ellos, de dar marcha atrás, sabía que no podría continuar durante mucho tiempo viviendo de esa forma, que su organismo estaba prácticamente destruido por dentro y por fuera. El escrito sobre el acta de nacimiento de Querelle con que finaliza la película es realmente significativo: “…En los libros no se dice nada más de él: solamente que la fecha de su muerte se supone próxima”.
Cuando fue estrenada en la Bienal de Venecia, fallecido ya su autor (el cual se vio obligado a cortar -a pesar de una feroz resistencia inicial- tres minutos de los veinte que exigía la Gaumont, que la co-producía), provocó un enorme escándalo ante la dureza que desprendía la trama, y solo fue defendida por el director francés Marcel Carné, quien afirmó que algún día sería considerada y respetada como la auténtica obra de arte que es.

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Los viernes, proyecciones en el Salón de Actos Manuel Trillo de la Escuela Técnica de Arquitectura de Sevilla.

DIRECCIÓN: Avda. Reina Mercedes, 2. Para llegar en autobús: TUSSAM líneas 6 y 34.
HORARIO: 18h: Espacio del invitado: conferencia. 19h: comienzo de la proyección. Debate posterior entre los asistentes.

ENTRADA GRATUITA

Esta actividad tiene reconocidos 2 créditos de libre configuración por la Universidad de Sevilla para los alumnos que asistan, al menos, a un 80% de las proyecciones

Organiza: Asociación Audiovisual Cónica
Patrocina: Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla
Colabora: Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla, Aula de Cultura de la ETSAS y el Aula de Cine – CinETSAS.

05 de Marzo a las 18:00 h.

EL SOPLO AL CORAZON de Louis Malle
Francia. 1971. 115 min. V.O.S.

Título original: Le souffle au coeur Director: Louis Malle. Guión: Louis Malle. Fotografía: Ricardo Aranovich. Música: Charlie Parker, Sidney Bechet. Montaje: Suzanne Barone. Producción: Vincent Malle, Claude Nedjar. Formato: DVD, Color. Género: Drama. Reparto: Lea Massari, Benoît Ferreux, Daniel Gélin, Michel Lonsdale, Ave Ninchi

Laurent Chevalier, un chico de catorce años en la Francia de mediados de los 50, comienza a descubrir los distintos aspectos de la vida. Su padre le ignora, su madre le venera y sus hermanos combinan gestos de cariño con el abuso propio de los mayores. En poco tiempo, Laurent pasa de ser virgen a tener una experiencia frustrada con una prostituta y a recibir el intento de seducción por parte de un cura. Cuando se le detecta que padece un soplo al corazón, Laurent, acompañado de su madre, se verá recluído en un balneario, en el que la vida social es digna de una gran ciudad.

PROGRAMA:

18:00:  

El soplo de Malle (5:30 min.)
Un soplo en el corazón o la película como primera novela (12:43 min.)
Trabajar con corazón, una conversación con Benoît Ferreux (11:00 min.)

19:00:   

El soplo al corazón (115 min.)

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Los viernes, proyecciones en el Salón de Actos Manuel Trillo de la Escuela Técnica de Arquitectura de Sevilla.

DIRECCIÓN: Avda. Reina Mercedes, 2. Para llegar en autobús: TUSSAM líneas 6 y 34.
HORARIO: 18h: Espacio del invitado: conferencia. 19h: comienzo de la proyección. Debate posterior entre los asistentes.

ENTRADA GRATUITA

Esta actividad tiene reconocidos 2 créditos de libre configuración por la Universidad de Sevilla para los alumnos que asistan, al menos, a un 80% de las proyecciones

Organiza: Asociación Audiovisual Cónica
Patrocina: Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla
Colabora: Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla, Aula de Cultura de la ETSAS y el Aula de Cine – CinETSAS.

26 de Febrero a las 18:00 h.

IF… de Lindsay Anderson
Reino Unido. 1968. 111 min. V.O.S.

Título original: If…. Director: Lindsay Anderson. Guión: David Sherwin. Fotografía: Miroslav Ondrieck. Música: Marc Wilkinson. Montaje: David Gladwell. Producción: Lindsay Anderson, Michael Medwin. Formato: DVD, Color. Género: Drama. Reparto: Malcolm McDowell, David Wood, Richard Warwick, Robert Swann, Christine Noonan. Premios: Palma de Oro en Cannes

Un grupo de alumnos de un internado, liderados por Mick Travis, se rebela contra el profesorado y la dirección, que mantienen una disciplina rayana en el terror. Para ello llevarán a cabo acciones de una desmedida violencia.

INVITADO:

JUAN CASO GARCÍA
Arquitecto. Profesor de construcciones arquitectónicas en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla.

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Sugerencias para una lectura desde la problemática de la violencia
por Silvia Serra

If… constituye la primera película de una trilogía donde su protagonista, Mick Travers (McDowell) sobrevive a una institución educativa, para luego hacerlo a los medios de comunicación (Lucky Man!, 1974) y a un establecimiento médico (Britannia Hospital, 1982). El abanico que abarca esta trilogía nos señala el marco que contiene la propuesta: la crítica a las instituciones de la modernidad, instituciones disciplinarias1 que generaron, desde los 60 en adelante, tanto en el campo del arte como en el que va desde la acción política a la teoría pedagógica, contradiscursos revolucionarios.
Proponemos pensar a If… como un texto violento sobre la violencia. Centrada en una institución educativa, más precisamente un internado, presenta a través de distintos cuadros el funcionamiento del poder más allá de las cuestiones particulares ligadas a la transmisión escolar del conocimiento. Por otra parte se hace eco de los discursos críticos que surgen en la décadas de los 60 y 70, y desde allí despliega una discurso que todo lo pone en duda desde una única salida posible: la violencia.
La institución que el film muestra parece prescindir del tiempo exterior. El edificio, el uniforme, las costumbres, no dejan entrever en qué época se desarrolla. Son elementos externos a la escuela (imágenes del Che Guevara, fotos de Mao) las que funcionan como indicadores de que lo que sucedía fuera de las paredes del colegio estaba muy lejos de ser tenido en cuenta en su interior. Y es ese exterior el que aparece “filtrado” en el texto que promueve la rebeldía de nuestros protagonistas: “un hombre puede cambiar el mundo con una bala en el lugar adecuado. No existen las guerras equivocadas. La violencia y la revolución son los únicos actos puros. La guerra es el último acto creativo”.

Para muchos críticos, todo el film puede ser pensado como una metáfora del funcionamiento de la sociedad, pensándolo como “sistema”. La crítica de izquierdas a la sociedad capitalista se ha hecho eco de esta expresión, llevando el significado de “sistema” a cierto conjunto de normas y reglas del funcionamiento de la sociedad de base material capitalista que implican condiciones de existencia específicas. If… puede ser pensada en esta clave, pero también merece que nos detengamos en ella no sólo por lo que representa, como metáfora general, sino también por su enclave específico en una institución educativa. Su abordaje no está centrado en los espacios de transmisión del conocimiento (prácticamente no se ven aulas) sino en lo que sucede en los pasillos, los baños, los cuartos, las normas de disciplina, las jerarquías entre alumnos, la “justicia” intramuros. De algún modo se reproducen unas condiciones de existencia que van mucho más allá de la relación pedagógica entre profesor y alumno. El escape a esas condiciones es el silencio, el aislamiento, la indiferencia, hasta que, frente a la imposibilidad de sostenerlo, se produce el estallido. Escribió Iván Illich: “El plan de estudios oculto es siempre el mismo. Independientemente de la escuela o del lugar. Requiere que todos los niños de una cierta edad se reúnan en grupos de cerca de treinta, bajo la autoridad de un maestro recibido, durante 500 o 1000 horas cada año. No importa si el plan de estudios ha sido diseñado para enseñar los principios del fascismo, el liberalismo, el catolicismo, el socialismo; o si el propósito de la escuela es de producir ciudadanos soviéticos o de los Estados Unidos, mecánicos o doctores. No importa si el maestro es autoritario o tolerante, si impone su propio credo o enseña a sus estudiantes a pensar por sí mismos. Lo que es importante es que los estudiantes aprendan que la educación es valiosa cuando es adquirida en la escuela o través de un proceso de consumo graduado; que el grado de éxito que el individuo disfrutará en la sociedad depende de la cantidad de aprendizaje que él consume; y que el conocimiento acerca del mundo es más valioso que el conocimiento del mundo.”2
La impugnación que las instituciones educativas recibieron en los ’60-70 no dejaron espacios más que para su destrucción. Las teorías de capital cultural, la escuela como aparato ideológico del Estado, las teorías de la reproducción no ofrecieron alternativas de transmisión del conocimiento al interior de las instituciones, sino que las escuelas eran vistas como engranajes de una máquina reproductora de desigualdades que las contenían y las excedían. Las instituciones escolares albergaban en su seno una lógica de funcionamiento, unas prácticas, un tipo de relación pedagógica que sólo podía ser superada por fuera de ellas.
“El proceso revolucionario conduce a una lucha contra las estructuras opresoras y deshumanizantes. En la medida en que este proyecto busca afirmar a los hombres concretos para que se liberen, toda concesión irreflexiva a los métodos del opresor representa una amenaza y un peligro para el mismo proyecto revolucionario.”3 Estas palabras de Paulo Freire ilustran la fuerza de la crítica de esa época, crítica que If… asume en la salida que propone: la lucha armada, la destrucción, la literal muerte de los representantes de ese orden de injusticias.
La posición de Mick y sus amigos se justifica no sólo por las vejaciones e injusticias a las que los someten por no plegarse indiscutiblemente al funcionamiento de la institución. Se justifica también por su participación en un discurso más general, que excedía la institución en sí, y que creía posible otro mundo, otro modo de relacionarse, otro orden. “¿Por qué lucha un guerrillero? -escribía Ernesto Che Guevara- Tenemos que llegar a la conclusión inevitable de que el guerrillero es un transformador social, que empuña sus armas para sumarlas al enojo del pueblo contra sus opresores y que lucha para cambiar el régimen social que mantiene a sus hermanos desarmados en la humillación y la miseria.”4
Las críticas a las instituciones pedagógicas que If… plantea no son nuevas para la época. Cuando Mick Travers pregunta: “¿Cuándo vivimos? Eso quiero saber”, podemos remontarnos a las críticas que el movimiento de la escuela nueva le hizo a la escuela original, llamada tradicional, donde se planteaba la separación de lo que sucedía en la escuela por fuera de la vida. Las alternativas que en ese momento se hicieron a la forma de lo escolar fueron muchas y de distinto color político. Desde posiciones más ingenuas que planteaban la apertura de la escuela al medio y el contacto con la naturaleza, hasta los discursos más politizados como el de Celestine Freinet, que perfilaban las bases de una escuela para otro tipo de sociedad, las experiencias que devinieron de la crítica a la escuela tradicional ofrecieron reformas a la estructura escolar clásica que pudiera hacerse eco de una relación hasta entonces negada.
Pero la distancia entre reforma y revolución es amplia. La críticas pedagógicas que se pusieron en juego en la década de los 60-70 articularon la escuela con un discurso político más amplio todavía, donde la única alternativa posible era su disolución, para permitir la inauguración de un nuevo mundo. Mick, el protagonista, no hace más que sentirse interpelado por la lógica de la época. Después de todo, “el deber de todo revolucionario es hacer la revolución”.5

1 Tanto las analogías como las relaciones directas que el film plantea con el poder militar y eclesial presentan ricas articualciones para avanzar en el análisis de la lógica disciplinaria.
2 llich, I.; Salazar Bondy, A.; Rolim Liz, C. y Albornoz, Rolando (1978): Alternativas de la educación. Apex. Buenos Aires. Subir
3 Freire, Paulo (s/f): Fundamentos revolucionarios de pedagogía popular. Editor 904. Buenos Aires
4 Esta idea ha sido trabajada por Nilma Lino Gomes en “Iguales y diferentes: escuela y diversidad cultural”. En Gentili, P. (2000): Códigos para la ciudadanía. Santillana. Buenos Aires. pag. 104.
5 Entrevista realizada a Slavoj Zizek por Sabine Reul y Thoma

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Los viernes, proyecciones en el Salón de Actos Manuel Trillo de la Escuela Técnica de Arquitectura de Sevilla.

DIRECCIÓN: Avda. Reina Mercedes, 2. Para llegar en autobús: TUSSAM líneas 6 y 34.
HORARIO: 18h: Espacio del invitado: conferencia. 19h: comienzo de la proyección. Debate posterior entre los asistentes.

ENTRADA GRATUITA

Esta actividad tiene reconocidos 2 créditos de libre configuración por la Universidad de Sevilla para los alumnos que asistan, al menos, a un 80% de las proyecciones

Organiza: Asociación Audiovisual Cónica
Patrocina: Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla
Colabora: Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla, Aula de Cultura de la ETSAS y el Aula de Cine – CinETSAS.

Captando la variabilidad y la fragilidad de las sociedades, el sentido de sus transformaciones, el cine ha actuado como un lenguaje humano: conquistar la palabra para expresar la urgente necesidad –Chaplin  en “El gran dictador”–,  “fabricar el humano” como dice J.L. Godard. El arte cinematográfico y el conjunto del campo cultural trataron durante estos 50 años del conflicto entre el sentido general de las cosas y los tabúes, buscando la respuesta apropiada, la respuesta que ignora las convenciones y presunciones para concentrarse en lo que circula entre cuerpos dotados de inteligencia física, buscar la opción liberadora. El ciclo “Tabúes” propone esta investigación necesaria y estimulante.

Programación:

06           60′          26/02/2010         If… (Lindsay Anderson, 1968)

07           70′          05/03/2010         El soplo al corazón (Louis Malle, 1971)

08           80′          12/03/2010         Querelle (Rainer W. Fassbinder, 1982)

09           90′          19/03/2010         El Vídeo de Benny (Michael Haneke, 1992)

10           00′          26/03/2010         Las Invasiones Bárbaras (Denys Arcand, 2003)

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Los viernes, proyecciones en el Salón de Actos Manuel Trillo de la Escuela Técnica de Arquitectura de Sevilla.

DIRECCIÓN: Avda. Reina Mercedes, 2. Para llegar en autobús: TUSSAM líneas 6 y 34.
HORARIO: 18h: Espacio del invitado: conferencia. 19h: comienzo de la proyección. Debate posterior entre los asistentes.

ENTRADA GRATUITA

Esta actividad tiene reconocidos 2 créditos de libre configuración por la Universidad de Sevilla para los alumnos que asistan, al menos, a un 80% de las proyecciones.

Formulario de inscripción

Organiza: Asociación Audiovisual Cónica
Patrocina: Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla
Colabora: Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla, Aula de Cultura de la ETSAS y el Aula de Cine – CinETSAS.

19 de Febrero a las 18:00 h.

NATURALEZA MUERTA de Jia Zhang-Ke
China. 2006. 108 min. V.O.S.

Título original: Sanxia Haoren. Director: Jia Zhang-ke. Guión: Jia Zhang-ke. Fotografía: Lik Wai Yu. Música: Giong Lim. Montaje: Lim Giong. Dirección artística: Liang Jindong, Liu Qiang. Productores: Xu Pengle, Wang Tianyun, Zhu Jiong    Formato: DVD, Color. Género: Drama. Reparto: Tao Zhao,  Sanming Han.

Fengjie fue una aldea que finalmente fue anegada tras la construcción de la presa de las Tres Gargantas, en China, al tiempo que se levantaba un nuevo emplazamiento que debía acoger a la población. Han Sanming, un minero, vuelve al pueblo a buscar a su mujer, a la que no ha visto en 16 años. Por su parte Shen Hong, una enfermera, busca en Fengjie a su marido, que se marchó de casa dos años atrás…

INVITADO:

JOSÉ JOAQUÍN PARRA BAÑON
Arquitecto. Profesor de expresión gráfica arquitectónicas en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla.

En el prefacio, en la página 19 del ensayo ARQUITECTURAS TERMINALES. TEORÍA Y PRÁCTICA DE LA DESTRUCCIÓN, el último y muy reciente libro de José Joaquín Parra Bañón, sobre esta película, se dice: “Acaso la idea de destrucción de Duchamp es la misma idea de destrucción que hizo que Alejando de Macedonia, cuando asoló la ciudad beocia de Tebas, sólo salvara de la demolición la casa de Píndaro, el poeta, y la que llevó a María de Nazaret a trasladar por el aire desde Belén hasta Loreto su propia casa, la casa mundana en la que había residido en la tierra; quizá sea similar a la que condujo a Werner Herzog a rodar en 1971 Fata Morgana y a Jia Zhang-Ke en 2006 su película Naturaleza muerta, a Cristina Rivera Garza a redactar en Méjico Nadie me verá llorar y a Jorge Baron Biza a escribir El desierto y su semilla antes de suicidarse. La misma destrucción, al fin y al cabo, que amenaza a la casa entre medianeras, que en el número ocho de la calle Santillana de Sevilla ha sido ya sitiada por Marín-White Promociones Inmobiliarias, Sociedad Limitada, y cercada por los insectos xilófagos, que también anhelan devorarla; casa angustiada cuyo destino es idéntico al de aquella en la que pereció Aureliano Babilonia, el que fue concebido entre alacranes y mariposas amarillas, y que, según Gabriel García Márquez, no es otro que el de ser “arrasada por el viento y desterrada de la memoria de los hombres”. La destrucción de la casa significa, supone la destrucción del mundo.”

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Qué verde era mi valle por José Antonio Souto Pacheco

El tiempo es un adversario cruel. Nos tira al suelo con el vendaval de la fugacidad y nos remata con la carga consistente que ha ido recopilando en el pasado. Naturaleza muerta traza su recorrido por estos vericuetos pero lo hace de un modo musitado. Es otra arista de este tiempo, enemigo íntimo de nuestros días, la que Jia Zhang-ke hace estallar en la pantalla. El tiempo como agente destructor, un tiempo mudado en una especie de tren de alta velocidad al que se debe subir, en marcha, para continuar viviendo. Poco importa lo que queda atrás, y menos aún el deseo -o su ausencia- de cambio del individuo. El fantasma de la libertad es creer que uno escoge viajar en ese tren cuando, en realidad, éste se mueve con el interés de otro(s).

Jia Zhang-ke nos muestra dos historias desvinculadas entre sí pero que, en cierta manera, se complementan y sirven para afinar el retrato de un país que vive el presente con planteamientos de futuro, en un constante estado de (des)composición. Dos procesos de búsqueda. Por un lado, el de Sanming que retorna a Fengjie para buscar a su mujer con el propósito de reencontrarse con su hija a la que apenas conoce pues hace 16 años emigró al sur del país, a Shanxi, para trabajar en unas minas. Por el otro, Shen Hong también vuelve a la ciudad, desde Shanxi, para encontrarse con su marido a quien no ve, ni tiene noticias suyas, desde hace dos años. Ambos personajes regresan a Fengjie… pero las calles que ellos transitaron ya no existen, anegadas por las aguas del pantano de las Tres Gargantas. La cámara de Jia Zhang-ke nos acompañará en un paseo costumbrista por el lugar (resquebrajado por las apariciones furtivas de un par de ovnis); mientras que los pasos de los personajes nos llevarán a un mundo que ya no es suyo (sólo quedan vestigios de éste en las estampaciones de los billetes de curso legal), de apariencia irreal, en el que los edificios derruidos conceden un prominente grado de extrañeza al paisaje.

Jia Zhang-ke hace uso de los tiempos muertos, potenciando la impresión por encima de la acción. El plano largo, los movimientos lentos de cámara, las actuaciones sincopadas de los actores, el sonido, la luz, etc., son los elementos mínimos que encuentra para poder proporcionar una intensidad altísima en escenas donde, aparentemente, no sucede nada.

La narratividad de Jia Zhang-ke tiende a cero. Eso no es bueno ni malo, no es digno de elogio o reproche por sí mismo. Optar por una narración alambicada o minimalista es, finalmente, una opción de formalismo. Si hiciese bandera del estilo de Zhang-ke sin tener en cuenta su continente ofrecería un análisis insustancial e intrascendente.

Así, Naturaleza muerta no sería el excelente filme que es si su director no hubiera sabido transmitir el vacío que sienten los personajes al caminar por Fengjie, vislumbrando su pasado en las hierbas que flotan en determinados lugares del pantano u observando los escombros de edificios y calles que antaño poblaron. Los planos secuencia, las continuas panorámicas que barren el paisaje y siguen a los actores nos instalan en esta tesitura. También de este modo, los componentes oníricos que ya hemos mencionado (la aparición en pantalla de elementos fantásticos o algunos encuadres que enmarcan el dibujo de una ciudad que ya no es tal) nos emplazan a la sensación de desapego de la realidad que sufren los personajes, a la desorientación que les supone enfrentarse a un lugar y a un tiempo que forjaron sus identidades y que ya no existen.

En Naturaleza muerta son tres los puntos en los que Jian Zhang-ke sustenta su patrón argumental. El central es el tiempo que acaba con todo (ya hemos hablado del papel que juega en Naturaleza muerta al inicio del artículo), y a su alrededor gravitan el hogar y la familia. La ausencia del hogar, de la casa, es un no-espacio en el que se vislumbra la decadencia del lugar y de aquellos que lo poblaron, una prueba irrefutable de que el futuro venció al pasado aniquilándolo, ya que de él sólo quedan sus huellas. El otro satélite que gira en torno al tiempo es la familia, una pieza ajena (en el sentido de que no es protagonista) a todos estos procesos de cambio. La incomunicación entre sus miembros (en la película los teléfonos móviles tienen ciertas dificultades en establecer conexión… y cuando lo logran es para hacerlo con el de una persona muerta), la ruptura de las familias y la soledad de sus miembros instalan el peso del pasado en sus vidas. Para ellos, el futuro no duerme a su lado, se trata únicamente de los cantos de sirena que alguien (o algunos) emiten más allá del pantano de Las Tres Gargantas.

El paraíso utópico de lo que fue Fengjie ya no es posible. A su modo, en otro tiempo, otro lugar y con otras maneras, John Ford nos contó una historia similar. El sabor que desprende Naturaleza muerta no queda tan lejos del que nos dejó Qué verde era mi valle. El paso del tiempo y las transformaciones sociales sufridas por la clase obrera suponen, en ambas obras, el armazón de las mismas. Para los mineros irlandeses de Ford la vía de escape fue la tierra prometida norteamericana; más de 50 años después, Jian Zhang-ke no encuentra espacio para la esperanza, a los habitantes de Fengjie únicamente les resta esperar despertar algún día en la placidez del sueño capitalista.

SOUTO PACHECO, José Antonio. 2007. Qué verde era mi valle. Miradas de Cine. 67 [Octubre de 2007]. (Disponible en: http://www.miradas.net/2007/n67/criticas/naturalezamuerta.html. Consultado el 17 de febrero de 2010)

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Los viernes, proyecciones en el Salón de Actos Manuel Trillo de la Escuela Técnica de Arquitectura de Sevilla.

DIRECCIÓN: Avda. Reina Mercedes, 2. Para llegar en autobús: TUSSAM líneas 6 y 34.
HORARIO: 18h: Espacio del invitado: conferencia. 19h: comienzo de la proyección. Debate posterior entre los asistentes.

ENTRADA GRATUITA

Esta actividad tiene reconocidos 2 créditos de libre configuración por la Universidad de Sevilla para los alumnos que asistan, al menos, a un 80% de las proyecciones

Organiza: Asociación Audiovisual Cónica
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05 de Febrero a las 18:00 h.

NUBES PASAJERAS de Aki Kaurismäkis
Finlandia. 1996. 96 min. V.O.S.

Título original: Kauas pilvet karkaavat. Director: Aki Kaurismäkis. Guión: Aki Kaurismäkis. Fotografía: Timo salminen. Música: Shelley Fisher. Formato: DVD, Color. Género: Drama. Reparto: Matti Onnismaa,  Kari Väänänen,  Elina Salo,  Kati Outinen,  Markku Peltola,  Markus Allan,  Sakari Kousmanen

Historia de una pareja casada cuyo matrimonio y orgullo personal es puesto a prueba por los duros golpes de la vida. La pareja no acostumbra a tomar riesgos, y convive en un simple apartamento en uno de tantos edificios de alquiler. Ilona (Kati Outinen) pierde su empleo como camarera en el restaurant Dubrovnik en Helsinki. Poco después se entera que su esposo Lauri (Kari Väänänen) ya hace un mes que ha sido despedido de su trabajo como conductor de tranvía.

INVITADA:

ESTHER MAYORAL CAMPA
FIGURAS SOBRE FONDO AZUL. DISOCIACIONES. Algunas ideas sobre Nubes pasajeras.

Profesora del departamento de proyectos arquitectónicos de la Escuela de arquitectura de sevilla desde 2001, Doctora en Arquitectura, ex subdirectora de cultura de la ETSAS y aficionada al cine.

Hoja de Sala

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Los viernes, proyecciones en el Salón de Actos Manuel Trillo de la Escuela Técnica de Arquitectura de Sevilla.

DIRECCIÓN: Avda. Reina Mercedes, 2. Para llegar en autobús: TUSSAM líneas 6 y 34.
HORARIO: 18h: Espacio del invitado: conferencia. 19h: comienzo de la proyección. Debate posterior entre los asistentes.

ENTRADA GRATUITA

Organiza: Asociación Audiovisual Cónica
Patrocina: Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla
Colabora: Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla, Aula de Cultura de la ETSAS y el Aula de Cine – CinETSAS.

29 de Enero a las 18:00 h.

BRAZIL de Terry Gilliam
Reino Unido. 1985. 131 min. V.O.S.

Título original: Brazil. Director: Terry Gilliam. Guión: Terry Gilliam, Tom Stoppard, Charles McKeown. Fotografía: Roger Pratt. Música: Michael Kamen. Producción: Arnol Milchan. Formato: DVD, Color. Género: Ciencia-ficción/fantástico. Reparto: Jonathan Pryce, Robert De Niro, Michael Palin, Katherine Helmond, Ian Holm, Bob Hoskins, Kim Greist.

Nominada al Oscar al Mejor Guión Original y Mejor Dirección Artística (Norman Garwood & Maggie Gray).

Sam Lowry (Jonathan Pryce) es un tecnócrata eficiente pero soñador con un puesto de tercera categoría dentro de la gigantesca máquina burocrática que mueve (o paraliza) a una distopía opresiva, inhumana, hundida por la ineficiencia y amenazada por el terrorismo.

INVITADO:

CARLOS TAPIA MARTÍN
“RETRO-PROYECTANDO EL TIEMPO. De un pasado ya dibujado a un futuro que estaría ya descrito: Brazil, de Terry Gilliam.”

Nacido en Ronda, Málaga (España), en 1968, es arquitecto y docente investigador desde 1999 en las materias Composición Arquitectónica, Teoría de la Arquitectura, Arquitectura y Medio Ambiente, Proyectos Fin de Carrera en la escuela de arquitectura de Sevilla. Obtuvo el título de doctor en arquitectura por la Universidad de Sevilla con la tesis “Capturar forma con artes prohibidas”, por la que recibió el Premio Extraordinario de Doctorado de la US. Es miembro de la comisión académica del máster oficial “Ciudad y arquitectura sostenibles”, donde imparte clases. Ha sido asesor del Centro de las Artes de Sevilla. Ha publicado numerosos artículos y algunos libros compartidos, como Sobre la situación actual de la arquitectura: genealogías, diagnósticos e interpretación (US, España 2005), Geopolíticas: espacios de poder y poder de los espacios (INER,(Medellín. Colombia, 2007). Como investigador ha desarrollado o lo hace en estos momentos proyectos con financiación pública como “Hibridación y Transculturalidad en los modos de habitación contemporánea” o “Prototipos para la sostenibilidad a escala pública, social y colectiva”. Pertenece al grupo de investigación OUT_Arquias, investigación para los límites en arquitectura y al Instituto Universitario de Arquitectura y Ciencias de la Construcción. Trabaja en dos redes de estudios internacionales: RED PUC “Problemáticas urbanas contemporáneas”, con sede en Argentina, y RED RESE “Estudios socioespaciales” con sede en Colombia. Dirige en este momento 4 tesis doctorales y 5 tesinas. Ha sido profesor invitado en distintas universidades españolas y latinoamericanas (Brasil, Colombia, Argentina, México). Ha sido subdirector de Innovación docente y posteriormente subdirector de Proyección Exterior y Actividades Culturales de la escuela de arquitectura de Sevilla. Ha sido galardonado con algunos reconocimientos (premios y exposiciones) por su obra arquitectónica

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Los viernes, proyecciones en el Salón de Actos Manuel Trillo de la Escuela Técnica de Arquitectura de Sevilla.

DIRECCIÓN: Avda. Reina Mercedes, 2. Para llegar en autobús: TUSSAM líneas 6 y 34.
HORARIO: 18h: Espacio del invitado: conferencia. 19h: comienzo de la proyección. Debate posterior entre los asistentes.

ENTRADA GRATUITA

Organiza: Asociación Audiovisual Cónica
Patrocina: Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla
Colabora:  Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla, Aula de Cultura de la ETSAS y el Aula de Cine – CinETSAS.

22 de Enero a las 18:00 h.

ALICIA EN LAS CIUDADES de Wim Wenders.
República Federal de Alemania (RFA). 1974. 110 min. V.O.S.

Título original: Alice in den Städten. Director: Wim Wenders. Guión: Wim Wenders & Veith von Fürstenberg. Fotografía: Robby Müller. Música: Can. Montaje: Peter Przygodda, Barbara v. Weitershausen. Producción: Peter Genée & Joachim von Megershausen. Formato: DVD, B/N. Género: Drama/Road movie. Reparto: Rüdiger Vogler, Yella Rottländer, Lisa Kreuzer, Edda Kölch, Didi Petrikat, Ernest Böhm.

Premio de la crítica alemana a la Mejor Película (1976)

De viaje por Estados Unidos, un periodista alemán conoce a una compatriota y a su pequeña hija Alicia. La mujer le pide que se haga cargo de la niña y desaparece. Durante el viaje de vuelta, el hombre entabla con Alicia una amistad inesperada en el marco del redescubrimiento de su país natal.

INVITADO:

ANTONIO SASETA VELÁZQUEZ (Arquitecto y escenógrafo. Profesor del Departamento de Teoría, Historia y Composición arquitectónica en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla.)

“Varón, arquitecto en el 78, escenógrafo de toda la vida, profesor vocacional, calculo que habré construido, solo o en sociedad, sus buenos 100.000 m2, si han servido para algo o han hecho feliz a alguien, no lo se…..soy provinciano, no se inglés y he conseguido ser un profesional mediocre, pero mantengo algunas ilusiones que tenía con 18 años.”

Título de la Conferencia: EL TIEMPO DE LOS MUERTOS

Hoja de sala

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Los viernes, proyecciones en el Salón de Actos Manuel Trillo de la Escuela Técnica de Arquitectura de Sevilla.

DIRECCIÓN: Avda. Reina Mercedes, 2. Para llegar en autobús: TUSSAM líneas 6 y 34.
HORARIO: 18h: Espacio del invitado: conferencia. 19h: comienzo de la proyección. Debate posterior entre los asistentes.

ENTRADA GRATUITA

Organiza: Asociación Audiovisual Cónica
Patrocina: Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla
Colabora:  Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla, Aula de Cultura de la ETSAS y el Aula de Cine – CinETSAS.

El pasado viernes 15 de Enero se inauguró en el Salón de Actos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura el programa de cine 20 planos, 4 secuencias y 1 MacGuffin.

La inauguración del evento contó con la presencia de la directora del Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla Dª Concepción Fernández Martínez, que señaló la constante presencia de la escuela de arquitectura en las actividades culturales de la ciudad. La subdirectora, en funciones, de actividades culturales de la escuela de arquitectura señaló la importancia que este año 2010 tiene para la escuela en el que se cumplen cincuenta años de actividad, y el apoyo que ha tenido por parte de los estudiantes en el desarrollo de las actividades culturales que ha llevado acabo. También estuvieron presentes el coordinador del Aula de Cine – CinETSAS, cuyo grupo de alumnos ganaron el primer premio de cine de la universidad en la modalidad de ficción con su obra “K” y la Asociación Audiovisual Cónica que ha desarrollado este programa de cuatro ciclos de proyección que abarcan las cinco décadas de actividad de la ETSAS desde cuatro líneas temáticas diferenciadas: ESPACIOS, TABÚES, NUEVOS LENGUAJES y PERSPECTIVAS. Cuatro líneas que permiten construir un panorama a través de veinte películas, ya clásicas, que han sido influyentes y determinantes en la construcción del pensamiento y sensibilidad de nuestra sociedad desde la década de los sesenta hasta la actualidad.

Tras la presentación del evento, el arquitecto D. Ricardo Alario López fue el encargado de abrir el primero de los cuatro ciclos con una clase magistral sobre el cineasta italiano Michelangelo Antonioni, previa a la proyección de su película El desierto rojo. El profesor Alario señaló la importancia del cine de Antonioni en grandes obras de la cinematografía posterior a él y su capacidad de visión para anticipar los signos de la modernidad que marcaron su época y que aún resuenan en la actualidad.

La proyección tuvo una buena acogida de público de toda la ciudad que pudo debatir los aspectos artísticos de esta película tras la proyección y compartir el conocimiento del profesor sobre el cineasta.

NOTA de última hora: tal como se anunció en la presentación del evento, se otorgarán dos créditos de libre configuración por cada ciclo de proyecciones a los alumnos de la universidad que asistan, al menos, a cuatro de las cinco proyecciones de cada ciclo.

“Visiones de los espacios” noticia en El Diario de Sevilla.

Fotografías en este artículo de Ángel Linares García.

15 de Enero a las 18:00 h.

EL DESIERTO ROJO de Michelangelo Antonioni.
Italia/Francia. 1964. 117 min. V.O.S. (Italiano)

Título original: Il desserto rosso. Director: Michelangelo Antonioni. Guión: Tonino Guerra & Michelangelo Antonioni. Fotografía: Carlo Di Palma. Escenografía: Piero Poletto. Música: Giovanni Fusco & Vittorio Gelmetti. Montaje: Eraldo da Roma. Producción: Antonio Cervi. Formato: DVD, color. Género: Drama/Experimental. Reparto: Monica Vitti, Richard Harris, Carlo Chionetti, Xenia Valderi, Aldo Grotti, Rita Renoir.

Tras sufrir un accidente de tráfico, la percepción de la realidad cambia completamente para Giuliana (Monica Vitti): Rávena, la ciudad donde reside, se convierte en un desierto a sus ojos. Pero no sólo en el plano de lo físico o de lo visual, ya que la relación con su marido (Carlo Chionetti) y con la gente que la rodea sufre también un proceso de ‘desertización’ emocional. La protagonista intentará solucionar esta aridez social y sentimental iniciando una particular relación con Zeller (Richard Harris).

INVITADO:

RICARDO ALARIO LÓPEZ (Arquitecto. Profesor de Proyectos Arquitectónicos en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla)

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Reseña de Iván Cárdenas (2007)

“El Desierto Rojo”, primera producción en color de Antonioni es una obra crucial en su filmografía. En ella, junto con dejar el blanco y negro para siempre en su obra, analiza la compleja relación y efecto del ambiente social sobre el individuo en la sociedad europea de visible éxito económico de los sesenta.

Su cine ya ha abandonado por completo la simple estructura narrativa lineal de una historia y hace palpable el vacío contemporáneo colocando su acento en  las constantes que marcarían su obra posterior: los aspectos plásticos, la mirada crítica sobre la nueva burguesía, la atención en el universo femenino y sobre todo la percepción de un mundo interior y de su sintomatología. La trama o argumento carece de relevancia ya en “El Grito” (1957), pero consolida este tratamiento en la trilogía: “La Aventura” (1960), “La Noche” (1961) y “El Eclipse” (1962), premiadas en los festivales de Cannes y Berlín. Es el momento en que los críticos y públicos hablan  de la “alienación” de sus personajes, de su inestabilidad interna, de su fragilidad frente a un mundo en cambio.

Ningún film lo muestra mejor que “El Desierto Rojo”, ganadora en 1964 del premio máximo del Festival de Venecia. El conflicto o incomodidad sicológica de Giuliana me parece metamorfosea un temor a algo que no le es posible describir, que no es interno sino más bien social, de inadaptabilidad con los otros. Los sucesos que se le cruzan no la conmueven y cuando insinúa excitación o despertar de su especie de ensoñación, se vuelve a ensimismar.

El uso del color en este film es tan marcado, las composiciones son tan intensas como equilibradas, la duración de los planos tan exactas que hacen del film un obra estéticamente sólida y nos evidencian de qué manera el cine mayoritario de hoy se ha empobrecido en su visualidad y modos de expresión.

La conexión de Antonioni con Julio Cortázar que se explicita con “Blow Up” (1966) pero postulo es mucho anterior e informada, me demuestra en ambos como lo que miramos puede abrirnos a compuertas y dimensiones muchos más amplias que solo lo real. Antonioni con las imágenes y el tiempo cinematográfico como Cortázar con las palabras y su forma de narración, intuyen espacios otros que no podemos discernir con la racionalidad cotidiana y pareciera solo debemos aceptar. En Cortázar los quiebres repentinos en el tiempo narrativo y la ambigüedad oscura de calles, pasillos o habitaciones, en Antonioni la geometrización laberíntica del paisaje desertificado, urbano o industrial enajenan o disuelven la voluntad de las personas,  quedando fragilizadas en un contexto que las invade y supera.

Desde los años ’60, Antonioni radicaliza su método, las acciones del relato son mínimas, los movimientos han sido reducidos y sus personajes parecen estar bloqueados. Cobran preeminencia en los planos la arquitectura y las figuras abstractas, separándolo definitivamente de los elementos fundamentales del cine neorrealista. También en “El Desierto Rojo”, como en “La Aventura”, filme que marcó profundamente a Scorsese, propone un cine abierto, libre de lo lineal en el desarrollo y entregado al misterio de un sentido interpretativo que ya no puede ser unívoco.

Roland Barthes en 1980 escribe un texto referido al cineasta donde elogiaba la visión que Antonioni tenía del mundo como artista, como poseedor de una sensibilidad capaz de expresar el espíritu de su época. Allí Barthes define los rasgos esenciales de la modernidad del cineasta: “Muchos toman lo moderno como una bandera de combate contra el viejo mundo, contra sus valores comprometidos; para usted, lo moderno no es el término estático de una fácil oposición; lo moderno es, por el contrario, una dificultad activa para poder seguir los cambios del tiempo, no sólo en el nivel de la gran historia, sino en el interior de esa pequeña historia de la que la existencia de cada uno de nosotros constituye la medida”.

Palabras del propio Antonioni en los ‘80 explican: “Me parecía que ya no era tan importante examinar los lazos de los personajes con el ambiente sino bucear dentro del personaje, para ver de todo aquello que habían atravesado –la guerra, la posguerra– qué había quedado en ellos, saber cuáles eran no ya las transformaciones de su psicología y de sus sentimientos, sino los signos de esa evolución”.

Texto completo:
http://www.biblioredes.cl/BiblioRed/Nosotros+en+Internet/cardenas/EL+DESIERTO+ROJO

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Los viernes, proyecciones en el Salón de Actos Manuel Trillo de la Escuela Técnica de Arquitectura de Sevilla.

DIRECCIÓN: Avda. Reina Mercedes, 2. Para llegar en autobús: TUSSAM líneas 6 y 34.
HORARIO: 18h: Espacio del invitado: conferencia. 19h: comienzo de la proyección. Debate posterior entre los asistentes.

ENTRADA GRATUITA

Organiza: Asociación Audiovisual Cónica
Patrocina: Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla
Colabora:  Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla, Aula de Cultura de la ETSAS y el Aula de Cine – CinETSAS.